В Арзамасском театре драмы состоялась премьера спектакля по пьесе современного французского драматурга Марка Камолетти «Бестолочь». Режиссер-постановщик Аман Кулиев назвал свое новое детище «Ах, уж эта Анна!», тем самым убрав негативную оценку главной героини, заданную автором уже в названии.

Почему зал был и остается полон по сей день? Наверное, потому что, во-первых, эта постановка доставляет наслаждение зрителю, который пришел в театр после рабочего дня или в конце трудовой недели, чтобы просто отдохнуть. Во-вторых, спектакль, несмотря на всю свою внешнюю несерьезность и занимательность, интересен и с точки зрения наблюдения за человеческой игрой. Игра выражает сущность человеческого бытия. Человек по природе своей - существо, вечно пребывающее в состоянии движения в самом широком смысле этого слова. Человек - всегда процесс, но не результат. В нем заложено стремление к миру, к другому и к самому себе. Игра - это упоение свободой, высшая креативность, сладострастие от собственного головокружительного полета. Постановка Кулиева - апофеоз человеческой тяги к игре, к наслаждению. В игру актеров оказывается втянутым весь зал, который сопереживал и одновременно смеялся над «трудностями» служанки Анны (Наталья Тешина), вынужденной скрывать от хозяев их же собственные интрижки.

Сюжет пьесы незамысловат: супружеская чета (Максим Гордиенко и Елена Керзина) принимает в свой дом на работу новую служанку - недалекую, некрасивую деревенскую девушку Анну. Однажды все обитатели дома разъезжаются, но пустовать ему пришлось совсем не надолго. Не пройдет и нескольких часов, как туда вернутся все его обитатели. Анна не поедет в далекую деревню к скучным родственникам. Жена, воспользовавшись отсутствием мужа, тоже без сожалений откажется от поездки к старикам-родителям и вернется домой, правда, не одна, а с любовником (Михаил Быстров). Наконец, и муж, ни в какую командировку не поехавший, не захочет упустить редкую возможность провести пару дней в собственном доме вместе с любовницей (Юлия Власова).

В-третьих, обычная комедия интриги, которую виртуозно ведет Анна в постановке Кулиева, необычна своей подчеркнутой прозаичностью, что наполняет весь спектакль какой-то неоромантической эстетикой. Идеал становится иллюзорным, тоска по иллюзорному идеалу совмещается с жаждой наслаждения, любовь - с распутством, чувственностью, а духовный поиск - с бегством от скуки. Постановка Кулиева - это особая форма «томления» по истинной любви и по семейным ценностям одновременно.

И, наконец, премьера спектакля «Ах, уж эта Анна!» удивительным образом предвосхитила мартовские праздничные дни, став юмористическим гимном женской изобретательности. Это был выбор характера, который, погружаясь в реальную жизнь, порождает событие. Два человека (супруги), пережив анекдотическую ситуацию, все равно вместе и еще больше увлечены друг другом. У Кулиева не было даже измены, а была лишь неудачная и смешная ее имитация. Однако событие сорвало маски с персонажей и выявило проблемы во взаимоотношениях супругов. Может, рутина убивает любовь? А может, любовь это лишь мечта? Так или иначе, зритель не только смеется над перипетиями героев, он переживает катарсис.

Любое творчество - это всегда диалог художника с миром, в котором, как в постановке Кулиева, повторения тем, ситуаций, внутренняя перекличка фрагментов формирует целостность. «Сказки для взрослых», по словам Максанса Фермина, сегодня оказываются крайне актуальными.

9 января 2013 года на 75 году ушел из жизни заслуженный артист РФ, ведущий мастер сцены Алексей Алексеевич ДОЛМАТОВ.

Приглашенный в Арзамасский театр драмы в 1964 году, А. А. Долматов сразу же вошел в репертуар и за 47 лет работы в нашем театре, создал целую галерею ярких полнокровных образов. Ему удалось воплотить на сцене русский национальный характер в самых разноплановых проявлениях. Особенно трогателен, обаятелен и трагичен актер был в чеховских спектаклях - «Вишневый сад» (Фирс) и «Чайка» (Сорин), режиссера В. Ткаченко в 90-е годы.

А.А. Долматов отмечен медалью «Ветеран труда», значком «За отличную работу» Министерства культуры СССР, грамотой Министерства культуры России, награжден Благодарственным письмом Губернатора Нижегородской области. В 2008 году удостоен почетного звания «Заслуженный артист РФ».

Алексей Алексеевич - корифей нашего театра. Он немного не дожил до 70-летнего юбилея Арзамасского театра драмы, которого очень ждал.

Светлая память об Алексее Алексеевиче Долматове навсегда сохранится в благодарных сердцах зрителей, коллег, друзей, родственников, а его яркая жизнь останется примером преданного творческого служения сцене родного театра города Арзамаса.

В русской культурной традиции театр всегда воспринимался и воспринимается как центр духовной, нравственной, художественной жизни города. В силу экстравертности этого искусства, «совокупный» театр города Арзамаса, в котором с некоторых пор сосуществуют театр юного зрителя, драматический театр и театр оперы, почти без метафорического преувеличения можно назвать зеркалом, в котором горожане видят, осознают и постигают себя. Арзамасский драматический - своего рода живая легенда, некое сберегающее лоно, уже 70 лет удерживающее в себе дух истинного театра.

Далекая история

Для Арзамаса театр - это еще и одна из составляющих духовного ритма города, опирающаяся на двухвековую культурную традицию. У Арзамаса богатая театральная история. Еще до 1779 года в Арзамасском уезде возникают труппы крепостных актеров и музыкантов. В богатых дворянских поместьях Салтыковых, Шаховских и Баженовых. В самом городе любительский театр сформировался из учеников первой провинциальной школы рисования и живописи академика А.В. Ступина. Его сын Рафаил получил уроки актерского мастерства в «домашнем» театре Академии художеств известного трагика Императорского театра Яковлева. Вернувшись в Арзамас из столицы в 1817 году, Рафаил Ступин создал самодеятельный коллектив. По воспоминаниям современников, постановки пользовались огромной популярностью у горожан чуть ли не всех сословий. Театр при школе просуществовал до конца 40-х годов. В 80-х годах позапрошлого столетия прославился театральный кружок, которым руководил глава акцизного ведомства в городе и театрал К.Ф. Оборский - муж племянницы А.С. Пушкина Ольги Львовны.

Пьесы Н.В. Гоголя, А.Н. Островского, А.П. Чехова стали постоянным репертуаром любительской сцены при Арзамасском обществе трезвости на рубеже ХIХ-ХХ веков. Спектакли шли в доме Белоногова на Сальниковой улице.

С 1903 года начал свою просветительскую деятельность самостоятельный театр Выездновской слободы. Он выступал в «Царском павильоне», что выстроили для царя и его семьи, следовавшей в Саров на торжества прославления преподобного Серафима Саровского.

Путь профессионального театра

В 1943 году, во время Великой Отечественной войны был открыт постоянный государственный драмтеатр. Первыми руководителями театра были Б.Л. Симанский и А.Н. Анисов. Первая труппа состояла из 29 артистов. Спектаклем А.Н. Островского «Без вины виноватые» был открыт первый театральный сезон 1943-1944 годов. В зале был аншлаг, зрители устроили овацию, но особые поздравления принимали Е.Н. Судьина и ее муж Б.Л. Симанский, исполнившие роли Кручининой и Несчастливцева.

Елена Николаевна Судьина - это особая страница в жизни Арзамасского театра. Почти сразу после Октябрьской революции 1917 года ей поручили организовать в Арзамасе театр. В то тяжелое время многие столичные и московские артисты были вынуждены разъехаться по провинции, это помогло Судьиной собрать театральный коллектив из замечательных артистов.

Е.Н. Судьина: «Скажу, что судьба творческая мне выпала счастливая. Я играла все заглавные роли в нашем театре, те роли, на которые у меня хватало сил... Мы исповедовали реалистическую систему Станиславского, она-то и поднимала театр до высоких вершин сценической правды, формировала его как настоящую школу жизни. Низводить искусство сцены до балагана, пустой развлекаловки - до этого в подавляющем своем актеры не опускались».

В 1968 году на Всероссийском фестивале, посвященном 100-летию со дня рождения М. Горького, спектакль «Васса Железнова» был отмечен дипломом 2-й степени. В 1998 году театр получил приз «Золотая пальма», учрежденный французской ассоциацией «Мир без границ».

Город без драмтеатра сегодня представить себе просто невозможно. За 70 лет выросло не одно поколение театралов, а самое главное - были сформированы театральные традиции. Это, прежде всего, высокий профессиональный уровень всего артистического коллектива. Ведь в театральной энциклопедии страны, наряду со столичными и областными театрами из всех провинциальных театров России упоминается и арзамасский! Сегодня в коллективе театра 4 человека имеют звание «Заслуженный артист РФ».

Осенью 2008 года в Санкт-Петербурге Арзамасский театр участвовал в театральном фестивале со спектаклем «Вишневый сад». На него приехало много коллективов со всей страны. Арзамасцы получили самую высокую оценку и завоевали диплом лауреатов. Тогда арзамасский театр не имел своего главного режиссера. Все - вопреки.

История любого театра «пишется» все-таки главными режиссерами. Они у истоков коллективного творческого акта. Их эстетикой и методологией определяется репертуар и его сценическая интерпретация. Именно в руках главного режиссера та тонкая и таинственная нить, которая связывает театр со зрителем. За 65 лет в театре города поработало как минимум 20 главных режиссеров. В 1980-1990-е годы труппу поочередно возглавляли два чрезвычайно самобытных и ярких художественных руководителя - В.Я. Осьмин и В.С. Ткаченко.

Начало нового века стало для театра трудным испытанием: достаточно болезненное «воссоединение» с ТЮЗом, отъезд ряда талантливых и молодых актеров и почти целый сезон после ухода П.В. Мясникова - вакансия главного режиссера. Театр снова жил вопреки.

Новой эпохой в театре сталприход в коллектив Амана Ягмуровича Кулиева. Познакомились с этим режиссером арзамассцы одиннадцать лет назад. Он поставил «Донну Люцию, или Здравствуйте, я ваша тетя», которую публика восторженно приняла. Через пять лет он поставил новый спектакль «Семья с мешком чертей», который очень заинтересовал арзамасскую публику. Спектакль шел с аншлагом. Недавно произошло объединение драматического и оперного арзамасских театров, что значительно осложнило работу режиссера, и предопределило выбор постановок - с музыкальной направленностью.

В Арзамасе для молодых людей театр - это единственная возможность соприкосновения с высоким искусством, где человек может получить мощный эстетический заряд, способный перевернуть всю его душу. Кулиев вернул театру почти утраченную в молодежной среде популярность, дал возможность открыть многим актерам все грани своего таланта в таких сложных постановка, как «Свои люди - сочтемся» по драме А. Островского, «Вечер» по пьесе А. Дударева, «Пигмалион и прекрасная леди» Б. Шоу, «Песни для детей старшего возраста» Н. Прибутковской, которая высоко оценила работу режиссера-постановщика и актеров. Наверное, возрождение театра сегодня стало возможным именно благодаря главному режиссеру Аману Кулиеву. По крайней мере, так думают простые арзамассцы. Юбилей театра связан с постановкой пьесы А.П. Чехова «Дядя Ваня», над которым шла напряженная работа.

Уже много лет историческое здание театра закрыто на ремонт. Губернатор Нижегородской области В.П. Шанцев, посетив Арзамас, пообещал, что «в ближайшее время дело будет сдвинуто с мертвой точки». Это бы стало лучшим подарком к юбилею Арзамасской драмы.

«Только искусство позволяет нам сказать даже то, чего мы не знаем», - сказал Пауль Клее. И хочется надеяться, что театр в Арзамасе будет жить, если рядом те, кто его любят. Будет жить не вопреки, а благодаря.

Актриса Арзамасского театра драмы, заслуженная артистка РФ Людмила Ивановна ШЕВЧЕНКО отметила свой 70-летний юбилей.

Родилась она в 1943 году в Омске, в 1967-м закончила Государственную театральную студию при Омском ТЮЗе под руководством заслуженного деятеля искусств РСФСР В.Д. Соколова. Работала в драматических театрах Сызрани, Великих Лук, Алма-Атинском и Омском ТЮЗах, играя, в основном, детский репертуар. Ее первой ролью стал Жиган в «РВС» А. Гайдара, а в 1983 году актрису пригласили в театр города Арзамас, на родину писателя, и снова на роль гайдаровского героя в «Судьбе барабанщика». Сережа Щербачев стал последней ролью актрисы в амплуа травести.

За 30 лет работы в Арзамасском театре драмы (а это уже второй юбилей актрисы в 2013 году) диапазон ролей Людмилы Шевченко значительно расширился. Состоялся удачный переход на серьезный, разноплановый, «взрослый» репертуар - от Джульетты в «Ромео и Джульетте» В. Шекспира (режиссер В. Осьминин), Вари в «Вишневом саде» А.П. Чехова (режиссер В. Ткаченко), до острохарактерных ролей классического и мирового репертуара: дуэньи Кеньонес в «Ревнивой к себе самой» Тирсо Де Молина, Пряхиной в «Театральном романе» М. Булгакова (режиссер В. Ткаченко). Он же предложил актрисе роль Аркадиной в «Чайке» А.П. Чехова. По решению Чеховской комиссии во главе с В.Я. Лакшиным, спектакль стал участником фестиваля «Чеховские дни в Ялте» (1993). Затем была сваха Фекла Ивановна в «Женитьбе» Н. Гоголя (1994), Бабушка в «Восьми любящих женщинах» Р. Тома (1995) в постановках И. Рыклина, Манефа в «Нелюдимо наше море» Н.Коляды, (реж. А.Калеев, 2001 г.), Анна Павловна в «Живом трупе» Л. Толстого (2003), Хиония Прокофьевна в «Не от мира сего» А.Н. Островского (2004) в спектаклях режиссера В. Тихонравова, Бабушка в «Деревья умирают стоя» А. Касона (2006) режиссера А. Смолко, Прасковья Петровна в «Метели» А.С. Пушкина (2007) режиссера Ю. Оленникова, Мерчуткина в чеховском «Юбилее» (2009) режиссера А. Кладько. Все сыгранные актрисой роли согреты ее личным обаянием, органикой и свойственным ей сценическим темпераментом.

С 1988 года Людмила Ивановна Шевченко, а это 25 лет (еще один юбилей!) - бессменная Уполномоченная НО СТД, ветеран труда. Неоднократно награждалась почетными грамотами «За большой вклад в культуру г. Арзамаса», Благодарственным письмом губернатора Нижегородской области. В 2008 году Л.И. Шевченко было присвоено почетное звание «Заслуженный артист России».

Сейчас актриса занята преимущественно в сказках, но и в них ей удаются яркие перевоплощения - от бабушек (а они у нее разные), до Бабы Яги.

Четвертым юбилеем 2013 года стал для актрисы 70-летний юбилей театра, основанного в г.Арзамасе в 1943 году. Коллектив тепло поздравил Людмилу Ивановну, пожелав здоровья и новых ролей на сцене нашего театра.

Постановка пьесы А.П. Чехова «Дядя Ваня» в Арзамасском драматическом театре совпала с юбилеем театра. Зрители увидели спектакль-исповедь. Спектакль, в котором все персонажи ищут свой идеал. Для героев Чехова, так или иначе разошедшихся с христианской традицией, желание излить перед кем-то душу стало некой «житейской» исповедью, своеобразным замещением церковного таинства. Исповеди чеховских героев разряжают нравственную атмосферу, как гроза, которую зритель наблюдает через открытое на сцене окно.

Как верно заметил А. Белый, Чехов обнаружил в «Дяде Ване» «не драму в жизни, а драму самой жизни». Быт и события меняются местами. Отвергая старую драму, построенную на событии, Чехов развернул действие пьесы вне и помимо событий. События - это ведь только случай в жизни человека. События приходят и уходят, а будни остаются, испытывая человека до самой смерти. Вот это испытание буднями - наиболее трудно переносимое - и составляет основу драматизма нового типа. Трагедия и в том, что человек всю жизнь ищет идеал, потому что его нет в сердце.

«Дядя Ваня» впервые ставится на Арзамасской сцене. Режиссер-постановщик Аман Кулиев уточняет, что эта пьеса - «квинтэссенция творчества Чехова, затрагивающая все пласты русской жизни... Глубоко мыслящий и чувствующий персонаж, именем которого названа пьеса, грешен - завистью».

Кулиева, как и Чехова, интересуют скрытые пружины душевных движений, характер человека, запечатленный в жесте, мимике, интонации, поэтому и дядя Ваня в исполнении Юрия Рослова получился подчеркнуто рефлексирующим, на грани нервного срыва, разрушитель по своей сути. Любовь Войницкого к Елене Андреевне не стала поворотной в событийном плане, но повлияла на внутреннее состояние дяди Вани, стала открытием себя, дала новые впечатления. Герой-интеллигент, склонный к рефлексии, к самоанализу, к психологическим и философским обобщениям, не просто говорит о своей неудавшейся жизни, не просто признается Елене Андреевне в любви, но и исследует собственные переживания. Психологическая подоплека его бурных речей и необъяснимых поступков - уязвленное самолюбие, чувство стыда и унижения, которые он, повторяя одно и то же, переживает заново. Порой исповеди Войницкого напоминают бормотание, словно это озвученная внутренняя речь. Кулиев открыл глубокий драматизм и эмоциональную чуткость в актере Юрии Рослове, для которого это была первая серьезная роль. При всей гонимости, потерянности, неадекватности дяди Вани в исполнении Рослова, его переживания образуют важнейшую часть нервной системы постановки. И отчасти именно через него зрители воспринимают то, что происходит на сцене. Его исповеди-сожаления и исповеди-мечтания часто совершаются ночью или под покровом темноты, что не случайно. Чехов знал «мистику ночи», открывающей человеческие сердца.

Астров (Сергей Столяков) - полная противоположность дяди Вани в интонациях, в пластике, в паузах, в ритме. В этом персонаже больше реалистического взгляда на мир и на себя. Именно он заявляет Войницкому после отъезда четы Серебряковых: «Наше положение, твое и мое, безнадежно». Процесс трагического протрезвления, который только что мучительно пережил дядя Ваня, у Астрова далеко позади. Он не обманывает себя спасительными миражами. Честно признается, что нет у него «огонька вдали» (в отличие от своего предшественника из «Лешего» - Хрущева, который утверждал, что этот огонек у него есть, и даже обещал «отрастить себе крылья» героя). Астров уже не способен любить, в чем он честно признается Соне. Обстоятельства жизни меняют человека. Единственное, что его еще увлекает, что способно заставить снова мечтать - это красота, которая его так привлекает в Елене Андреевне. Елена на мгновенье смогла вернуть его в его молодость. Однако ухаживает за Еленой Андреевной Астров «от нечего делать». Здесь нет и следа внезапно вспыхнувшей страсти - только изрядная доля цинизма.

Елена Андреевна (Екатерина Главатских) стала отправной точкой как для развития всего спектакля, так и для событий, характеров героев. Исповедь Елены Андреевны «прорывается» тогда, когда нарушается автоматическое течение жизни, когда обостряется чувствительность восприятия. Однако через собственные эгоистические переживания она оказывается не способной прочувствовать чужую беду. Как много в исполнении Екатерины Главатских от современной женщины, которая, по словам американского писателя М.Каннигема, - «женщина бездонной печали и ослепительного обаяния... и палач, и жертва, и муза...» Елена Андреевна словно из нашего времени. Ее образ стал своего рода «означаемым» по отношению к Астрову, Серебрякову и к дяде Ване. Для первого она - жертва, для второго - муза, для третьего - палач. Много вопросов вызвала ее игра руками, что невольно ассоциировалось с героиней пьесы Островского Катериной, мечтающей улететь. Современная женщина, как и чеховская героиня, желает убежать в одиночество, ощутить свободный полет птицы, чтобы ничего не держало на этой земле: ни муж, ни ребенок, ни цветы, которые в спектакле так нелепо дарит Елене Андреевне дядя Ваня. Удивительно, но и эта чеховская героиня переживает собственную трагедию: не знает, как распорядиться собственной красотой Екатерина Главатских наполнила образ Елены новыми смыслами, открыла простор для иной интерпретации чеховской героини.

Самым светлым образом спектакля стала Соня Елены Быстровой. Нечасто можно увидеть эту актрису в постановках арзамасского театра. После ее Сонечки понятно, что работа над образом была кропотливой. Именно она в спектакле по-настоящему любит и способна на подлинное милосердие. Быстрова своей игрой словно погружала зрителя в другой мир, в атмосферу чеховских героев. Наверное, именно такую русскую женщину и воспела русская литература. Соня в исполнении Быстровой - некая тоска по идеалу сегодня. Не имея собственных детей, только она способна на материнское чувство и по отношению к Астрову, и по отношению к дяде Вани, и по отношению к своему отцу. В ней сочетается все, что пророчески завещал человеку Чехов: вера, трудолюбие и милосердие.

Трагедия Серебрякова (Александр Юшков) приобретает в спектакле новое звучание. Эта трагедия старого человека, который чувствует себя выкинутым из жизни близких и из своего привычного столичного окружения. Чтобы выжить, надо быть молодым и успешным. Серебряков не умеет достойно стареть, и в этом его трагедия. Он сумел себя сохранить, дожив до старости, правда, забыв при этом о собственной дочери. Трагедия Серебрякова - и в его предельном эгоизме. Однако он, несмотря ни на что, снова и снова пытается писать. Роль образа профессора в спектакле неоднозначна. С одной стороны, Серебряков явился «фальшивым кумиром» дяди Вани, поломавшим ему всю жизнь. С другой стороны, Серебряков сам игрушка в руках судьбы и мучительно переживает крушение собственного идола.

Нередко актерский талант особенно раскрывается в небольшой роли. Персонаж Телегина предоставляет своему исполнителю Александру Егорову такой простор для развития этого образа чудака, что восторг зала обеспечен. Как только Телегин появляется на сцене, линейное течение времени приостанавливается, события и слова персонажей получают неожиданный ракурс изображения, а в подтексте постановки возникает тема судьбы. Ее сопровождает не только визуальный образ Марины (Наталья Тешина), фоновый, всегда находящейся рядом с остальными героями, но и звук гитары Телегина, соответствующего, как и Марина, течению собственной жизни. Неслучайно в финале спектакля звучит идея победы неизбежности над индивидуальной человеческой волей: «Телегин тихо наигрывает; Мария Васильевна пишет на полях брошюры; Марина вяжет чулок». Молчание остальных персонажей - лишь мгновенная остановка в однонаправленном движении их жизни, не изменяющая и не отменяющая основного маршрута. Разумеется, следует при этом учитывать комичность образа Телегина, поскольку для Чехова такое «отстранение» от серьезной и даже трагической темы принципиально. Оно является частным проявлением его важнейшего художественного принципа - отсутствия категорически однозначных оценок человека, жизненной ситуации, самой жизни.

В спектакле есть и мистический образ бывшей жены Серебрякова (Елена Лупачева), которую все называют «ангелом». Это дух некогда сплоченной семьи, к которому попеременно обращаются герои в тот или иной сложный для себя момент. На сцене много вещей, которые напоминают о ее незримом присутствии.

Спектакль Кулиева - это психологические и социологические этюды в лицах, событиях, исповедях. «Дядя Ваня» словно соткан из ситуаций исповеди, сцен, когда герой ищет или сожалеет о том, чего нет в его жизни: красоты, любви, веры. Когда один персонаж открывает другому душу, позволяет выявить «подлинное» не только в том, кто исповедуется, но и в том, кто слушает. Однако, как это часто бывает у Чехова, герои изливают душу в случайных, совершенно не подходящих для исповеди местах. Вид «Троицы» А.Рублева, с которой начинается видеоряд спектакля и сам спектакль, служат знаком, напоминающим не только героям, но и зрителям, что пришло время освободить душу от всего наносного, о раскаянии.

Визуальный поворот, наблюдаемый в культуре ХХ и ХХI веков, проявляющийся в возрастании роли образности в повседневной жизни современного человека, осуществляется в особом интересе к визуальным формам общения. Спектакль сопровождается видеорядом, иллюстрирующим переломные моменты нашей истории. Трагедийно-героическая симфония видеоряда от времен Чехова до наших дней охвачена душевной болью режиссера о попранном человеческом достоинстве, пронизана глубоким сочувствием к людям и пониманием того, что исторический прогресс как неравномерно-экспериментальное совершенствование не исключает, к сожалению, попятных движений, катастрофических поворотов. После таких видеопараллелей зрителя охватывает синдром страха перед сценой. К счастью, актеры ведут себя в высшей степени свободно и самовыражаются в соответствии со своим творческим почерком и мерой дарования.

Нельзя забывать, что «...у произведения искусства есть всегда свое собственное настоящее, что оно лишь очень отчасти привязано к своему историческому происхождению и является прежде всего выражением правды, вовсе не обязательно совпадающей с тем, что конкретно имел в виду... создатель произведения». Очевидно одно: никакие реформы не способствовали улучшению человека. Очевидно, что пьесы Чехова могут быть вписаны в значительно более широкий идейный контекст. При таком рассмотрении его творчество предстает перед нами как предвестие эстетических и философских поисков XXI века, как пророчество грядущих исторических трагедий и катастроф, оказавших огромное влияние и на индивидуальное переживание человеком своего бытия в мире. Спектакль открывает перед зрителями Чехова-драматурга и мыслителя, во многом опередившего свое время.